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“Blade Runner 2049” (2017) de Denis Villeneuve

Publicada primero en El Cine en la Sombra.

Cartel Blade Runner 2049

Treinta y cinco años tienen que pasar para que vuelva a las pantallas la magia de Blade Runner, film que cautivó a varias generaciones y que se espera lo mismo de su secuela; treinta años distan entre los días de los Nexus 6 y de K (o Joe para los amigos). En esta ocasión, el canadiense Denis Villeneuve toma las riendas e intenta seguir el camino que tomó Ridley Scott allá por el año 1982. Blade Runner 2049 es puro espectáculo, pura dinamita; un film para ser visto en un gran cine y con un buen equipo de sonido. Los nostálgicos de la precuela encontrarán su confort ya que con la lograda dirección de arte y fotografía, el espectador es un habitante más de la lúgubre Los Angeles del año 2049.

Hay un hecho que es inevitable y que constantemente genera la misma reacción. Siempre que llega una secuela tras muchos años (incluso décadas) el público que la recibe se encuentra dividido; la mayoría ahogados en la nostalgia casi siempre salen decepcionados ya que esperaban de la nueva entrega algo mejor, incluso si el film es brillante. Esto pasa ya que la continuación de la historia original no llega a tener el mismo impacto que la anterior – en la historia del cine encontramos muchos ejemplos, como Star Wars, El Padrino, El Hobbit (con las precuelas pasa lo mismo), etc. – porque no es “lo nuevo”. Esto genera una disyuntiva entre los realizadores: si la secuela es muy parecida a la anterior, no impresiona y aburre, y si es demasiado diferente el espectador se pierde y se encuentra con algo que no esperaba; esto obliga a los autores del film a encontrar el término medio, y no siempre es fácil.

Después de todo esto, he de decir que la cinta de Villeneuve se acerca mucho al punto medio, incluso puedo afirmar que alcanza tal cima. La atmósfera neo-noir y cyberpunk de Los Angeles del año 2019 es casi la misma que la del 2049: esa luz negra, esos neones, esa lluvia constante, ese humo casi masticable, esos coches voladores, esa sutil línea entre un replicante y un ser humano, una megaempresa y una sección especial de la policía (LAPD) dedicada a la extinción de dichos replicantes, los Blade Runner. El relevo generacional pasa de Rick Deckard (Harrison Ford) a K (Ryan Gosling); el segundo tan brillante como Ford.

En Blade Runner 2049 se lleva todo a otro nivel, ese mundo es más moderno y más decadente. Vemos ciertos elementos que nos recuerdan a nuestra realidad y que nos pueden dar hasta miedo; me refiero a la soledad de las personas y al sitio que ocupan las máquinas en nuestras vidas ¿os suena? Escribiendo esto me viene a la mente Her (2013) de Spike Jonze. Pero nada anda más alejado de nuestro mundo actual, las relaciones humanas dejan paso a supuestas máquinas que están fabricadas con el propósito de acercarnos más, ridícula paradoja.

Blade Runner 2049

Al igual que en la primera entrega vemos el lado más humano de la máquina: por muy “perfecta” que sea, aunque esté confeccionada para obedecer, siempre le queda esa “semilla”. Puedo afirmar que el tema principal de este film (no es ningún spoiler) es la búsqueda de uno mismo, la soledad, la obediencia, la decadencia, la supervivencia, la máquina y el secreto. Aquellas palabras que hemos escuchado en Blade Runner (la de 1982) quedarán grabadas en nuestra memoria para siempre: “He visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia”, y en este film de Villeneuve también escucharemos otras parecidas, en un momento inesperado.

Creo que pocas películas tienen un emplazamiento de producto (product placement) tan logrado como Blade Runner (ambas), ¿qué sería de este film sin esos carteles animados gigantescos? Marcas presentes en nuestra vida cotidiana encuentran su lugar en las cintas de Scott y Villeneuve, y no sólo eso, sino que potencian esa estética tan peculiar.

Hay un elemento muy interesante en la promoción de esta película, es el lanzamiento de tres cortometrajes que cuentan momentos clave entre la historia del primer film y el segundo, es decir, sucesos importantes que han tenido lugar entre 2019 y 2049. El primero de ellos transcurre en el año 2022 y es un corto de animación dirigido por Shinichiro Watanabe (Cowbow Bebop), y los otros dos en 2036 y 2048, ambos dirigidos por Luke Scott, hijo de Ridley Scott; estos tres mantienen la estética original del film, y merecen ser vistos. La pregunta es, ¿puedo visionar y entender Blade Runner 2049 sin haber visto estos cortos? la respuesta es, claro que sí, pero no está de más disfrutarlos, los tres están disponibles de forma legal en Youtube, de la mano de la distribuidora del film (los podéis encontrar al final de esta crítica).

Blade Runner 2049

El punto fuerte de esta película es la fotografía, y no es de extrañar ya que el cinematógrafo es el legendario Roger Deakins, además el tándem Villeneuve-Deakins funciona como un reloj suizo, han trabajado en el pasado en obras como Sicario (2015) o Prisioneros (2013). El concepto de la fotografía es espectáculo con ese toque Deakins: encuadres y luz muy cuidada. El sonido es otro elemento que está en el podio, te introduce en el film y se vale de la banda sonora, que aunque no llega al nivel de la composición original de Vangelis, sigue siendo una obra maestra.

En conclusión, cuando vayas a ver el film no te esperes nada, elimina de tu mente todo lo que acabas de leer y simplemente disfruta del show; busca la mejor sala (cuanto más grande mejor) de tu ciudad, siéntate en una butaca y admira esta obra de arte. Olvídate de la anterior película de 1982 y céntrate en Blade Runner 2049, seguramente volverás al cine para verla una segunda vez.

 

Viaje introspectivo a través del dolor.

Crítica cinematográfica del film documental “Alberto García-Alix. La línea de sombra” (2017) de Nicolás Combarro. Publicada primero en El Cine en la Sombra.

Alberto García-Alix. La línea de sombra. Nicolás Combarro.

“La línea de sombra” es el documental hecho obra de arte, documental que se beneficia de toda la artillería de la narrativa del cine de ficción; es un recorrido por la vida del reconocido fotógrafo español Alberto García-Alix. En primera persona, este nos cuenta desde cómo comenzó su interés por la fotografía hasta el presente, pasando por amores fugaces, fiestas, pérdidas de seres cercanos, épocas oscuras y épocas de prosperidad; un camino con más sombras que luces pero que nos muestra a un García-Alix fuerte y tenaz. Dirigido con maestría por el novel Nicolás Combarro, “La línea de sombra” es una viaje introspectivo a través del dolor (con algunos retazos de luz), donde al igual que sus fotografías, este documental es un paseo a través de la vida del fotógrafo español.

Esta obra bien puede ser considerada documental o video arte; la narración no se da de forma lineal, si no que vemos por un lado un encuentro cara a cara con Alix y por otro, le vemos en mitad de sesiones fotográficas en sitios tan remotos como Valparaíso. El cara a cara con Alix es duro, tanto como su voz o como el blanco y negro de sus fotografías; de su boca sale dolor, aún cuando evoca recuerdos agradables, estos yacen bajo la sombra de las drogas y una vida llevada al límite. “La línea de sombra” es también la voz de una generación, una generación que comenzó a germinar pocos años antes de la movida madrileña y que explosionó con la llegada de esta, una generación fiel a sus fuertes raíces que resiste el peso de las décadas.

Vemos a un Alix sincero, un Alix desnudo, un Alix herido. La fotografía se nos presenta como medio para atrapar el presente y conservarlo para la posteridad, como si fuera una cicatriz o un tatuaje. Alix nos mira a los ojos y nos cuenta que existen situaciones que son imposibles de fotografiar, pero que permanecen en la memoria con más fuerza que una fotografía. Todos tenemos limitaciones, y este es el suyo como fotógrafo.

García-Alix, tal y como se ha mencionado anteriormente, es un hombre fiel a sus raíces. Desde que comenzó su carrera hasta hoy en día sigue usando sus viejas cámaras analógicas, y tenemos ocasión de ver en este documental su método de trabajo. Cuando está con la cámara es un hombre que sabe lo que quiere, no descansa hasta alcanzar el resultado que desea. Pero también vemos fotos desenfocadas, movidas y mal compuestas, pero precisamente estás son las que mejor reflejan el estado de ánimo de este artista en el momento de tomar esa foto. Abundan los autorretratos, cada uno tan diferente del otro, por ejemplo: compartiendo una noche italiana con dos travestis, un paseo en moto, un Alix lleno de heridas tras una pelea con un grupo fascista o la fotografía de un preservativo usado. Todas estas imágenes están impregnadas de recuerdos y esto confirma el hecho de que la fotografía es el mejor medio para atrapar el presente y convertirlo en reminiscencia, Alberto García-Alix lo corrobora.

Alberto García-Alix. La línea de sombra. Nicolás Combarro.

Al principio de esta crítica se hizo alusión al buen uso de la narrativa del cine de ficción. La dirección de fotografía (Miguel Ángel Delgado) es simplemente maravillosa, no por el efecto que consigue, si no también porque se funde con el relato. Salvo una escena en un cuarto oscuro (mientras Alix revela unas fotografías) el resto del documental está en blanco y negro; un monocromo especial muy parecido al de las fotografías de García-Alix. También tenemos tomas aéreas y steady cam, técnicas más propias del cine que del documental. La mezcla de sonido (Pepe Pleguezuelos) y el montaje (Juan Ugarriza y Miguel Ángel Delgado) son otros dos aspectos a destacar.

Las motos, las chicas, las jeringuillas compartidas, las chupas de cuero, Madrid, las fiestas, los tejados de París, su vieja Leica, su cáncer en las cuerdas vocales, su hermano Willy, Curra, los apartamentos destartalados, su Hasselblad, las pensiones baratas con cuadros de caballos galopando, sus tatuajes, su tratamiento con interferon, sus largos paseos por París huyendo de los fantasmas, sus primeras pesetas ganadas gracias a la fotografía, Pekín, la movida madrileña y la ventana circular del tanatorio. Todo esto y más cabe en “La línea de sombra”.

El hombre semilla. Las mujeres al poder.

Crítica cinematográfica del film “Le semeur” (2017) de Marine Francen. Publicada primero en El Cine en la Sombra.

Cartel. Le semeur. Marine Francen

Cuando cualquier retazo de esperanza se desmorona, las medidas que hay que tomar son drásticas. Marine Francen se inicia en el mundo de la dirección cinematográfica con “Le semeur”, drama ambientado en la campiña francesa en una época donde Louis Napoleon Bonaparte se autoproclamó emperador de Francia. Todos los hombres del pueblo de Violette son llevados a la fuerza por el soberano, quedándose solas las mujeres. Éstas tras aguantar varios meses en este aislamiento siendo más que autosuficientes, sus deseos y necesidades más carnales y primarias comienzan a hacer mella, y esto les lleva a hacer una promesa colectiva muy peculiar.

“Le semeur” ópera prima de Marine Francen se estrena en el marco de “Nuev@s director@s” de la sexagésimo quinta edición del Festival de San Sebastián (2017). Francen ejerció en otras ocasiones como asistente de Michael Haneke y Olivier Assayas; y esta obra está basada en un relato corto titulado “L’homme semence” (El hombre semilla) escrita en 1919. Aunque haya dudas sobre su autoría, todos los dedos apuntan a Violette Ailhaud como autora del libro, y este es precisamente el nombre de la protagonista de nuestro film.

Tras la dura represión contra los republicanos, en este pueblo de montaña los relojes se paran; y esto da lugar para que Marine Francen nos hable de varios temas ocultos entre líneas. El que más destacaría es la autosuficiencia de las mujeres, que al estar sin hombres (recordemos que el film está ambientado en un medio rural durante la segunda mitad del siglo XIX.) el pueblo sigue su curso y la buena organización entre ellas permite que se realice la cosecha, que las actividades ganaderas continúen y que cualquier problema sea solucionado, como una fuga de agua en el granero tras una lluvia torrencial. Pero en esta sociedad matriarcal también cabe lugar la desesperación, las jóvenes doncellas en edad de casarse (y las casadas pero todavía jóvenes) comienzan a echar en falta la presencia de un hombre que satisfaga sus deseos sexuales, y en este clima de necesidad y añoranza, se hacen la promesa de que cualquier hombre que pase por el pueblo, aunque fuese sólo uno, sería compartido entre todas.

Aparece Jean y se desatan las pasiones. Violette que es la encargada de darle aposento y comida, acaba más cerca de él de lo que pensaba y aquella promesa entre chicas le lleva a nuestra protagonista a dar el paso que no quiere. También podemos constatar entre líneas otro tema que es la maduración, tras la presión que sufre Violette por parte de las otras chicas, ésta se ve obligada a sacrificarse, tomando decisiones que no quiere y negando ciertas cosas. Al final del film la Violette que vemos no es la misma que la del principio; trazándose así un arco de transformación del personaje, no es muy notorio, pero sí evidente.

Violette Ailhaud. Le semeur. Marine Francen

Otro aspecto destacable es la pasión por la lectura, bien que en todo el film los únicos que saben leer son Violette y Jean, Francen a la manera de François Truffaut, nos cita pasajes y nombres célebres de la literatura francesa, como bien pueden ser Victor Hugo o Voltaire. Para nuestros dos protagonistas la lectura es más que el simple hecho de leer, es una forma de evadirse. En “Le semeur” un tesoro y un libro están al mismo nivel, y para ello tenemos la figura del padre de Violette, aunque ausente en todo el film como lo son el resto de hombres de este pueblo de montaña. Entre líneas vemos también el alto grado de analfabetismo presente en el medio rural francés durante el siglo XIX.

A nivel técnico lo que más destaca (y de esto podemos darnos cuenta desde el primer fotograma) es la relación de aspecto, un 4/3 casi extinto en el cine actual. La fotografía es suave y algo dorada, aquellos fotogramas muestran sendos campos de trigo que nos recuerdan a algún cuadro de Van Gogh (como “Campo de trigo con segador a la salida del Sol” 1889).

El guión y el tema de la película son interesantes, pero uno se queda con la impresión de que se podía haber exprimido más estos elementos. “Le semeur” no es un film que destaque, pero tiene un potencial bastante grande, y quizás si se hubiese realizado de otra manera hubiésemos tenido una Ópera Prima del nivel de “Les 400 Coups”.

Fotografías inolvidables. Babel de Alejandro González Iñarritu.

Babel, niños marroquíes. Saâd Jebbour

Antes de que Alejandro González Iñárritu presentara Babel (2006) a las salas del mundo, ya gozaba de una notable fama (sobretodo con grandes películas como lo son Amores Perros y 21 gramos), pero con este film ya se proclamó como un sólido director dotado de un lenguaje y universo propio que lo hacen uno de los iconos del cine del siglo XXI, título que supo defender en sus siguientes largometrajes. Las tres obras antes mencionadas se suelen conocer bajo la Trilogía de la muerte o Trilogía del dolor, y tienen en común el hecho de que cuentan historias cruzadas, donde la vida de sus distintos personajes coinciden en un accidente.

Esta trilogía presenta films muy diferentes y a la vez muy parecidos. Los temas tratados son oscuros, fugitivos, con mucha sangre, dolor y muerte por medio; vidas que se ven arruinadas en un instante, la soledad del ser humano ante el tremendo hecho de vivir. Todo esto forma parte de la paleta de Iñárritu, aunque a veces peca de monotemático. Otro punto en común es el lenguaje, tres o cuatro historias diferentes, con personajes diferentes, pero que a raíz de un hecho accidental y sangriento sus vidas se ven involucradas y comienza la carrera contra el miedo y las fauces de la sociedad. Las tres realizadas con el mismo y eficaz equipo (muy inteligente en ese sentido Iñárritu): con el talentoso Guillermo Arriaga a la pluma, la música (siempre el punto fuerte de los films del autor mexicano, siempre acompañando y dotando de consistencia a la narrativa) de Gustavo Santaolalla, y el gran Rodrigo Prieto en la cinematografía (personalmente, me pega más el estilo Prieto que el Lubezki en el cine de Iñárritu);  y todo esto le da el sello tan particular que posee esta trilogía.

Ahora nos centramos más en Babel, ¿por qué Babel? ¿por qué este título? ¿de que nos habla realmente la película? A juzgar por el título y por la materia de la película, el tema es la comunicación, o mejor dicho la incomprensión. Viendo el nombre del film y que tiene tramas que se desarrollan en Marruecos, México, Estados Unidos y Japón, me creo que se llame Babel, pero tras visionar el largometraje no me quedo convencido, me chirría, no entiendo el por qué del título; es cierto que hay escenas en las que los personajes no se llegan a entender debido a falta de idioma en común, pero si existe la comunicación aunque sea en su forma más básica. También puede ser que la intención de Iñárritu no era la de mostrar esta incomunicación, sino el simple hecho de un mosaico de culturas e idiomas diferentes, puede ser, pero en mi opinión el film se merece otro título.

 Una de las cosas que más me fascina de este film es su narrativa, la gran destreza de Iñárritu a la hora de manejar y hacer a su favor la temporalidad y la espacialidad fragmentada; como une y aleja los relatos a la vez, ahora está demostrado de que si pero a ojos de un espectador que viese esta película en las salas por primera vez, sería fácil que se preguntase ¿pero este hombre sabría contar una historia sencilla en orden cronológico? Es bonita la conjunción entre países tan diferentes los unos de los otros como lo son Marruecos, México y Japón, es un mezcla perfecta de elementos dispares que no chirrían en absoluto entre sí. El relato fluye como arena bajando por una duna gracias a la sutileza y maestría de los montadores y la música de Santaolalla. La historia avanza, retrocede, cambia de continente, pero la narrativa queda intacta, el mensaje llega y el espectador no se distrae; este manejo de los elementos del lenguaje cinematográfico ¿no es digno de una gran cineasta?

Chieko, Babel. Saâd Jebbour

Dejé un camino abierto atrás que me gustaría concluir y hacerlo bien. Después de ver Babel me estuve preguntando, ¿de qué va realmente la película? ¿de qué nos habla Iñárritu? ¿cuál es la tesis? Mi conclusión es que, en un mundo globalizado e hipercomunicado (y cada vez más gracias a las aplicaciones de mensajería instantánea, redes sociales, etc.) el ser humano no es capaz de entenderse del todo; esto lo vemos claramente cuando por ejemplo Richard (Brad Pitt) para a un conductor en mitad de la carretera para pedirle auxilio y este no le entiende, entre otros casos. En pocas palabras: la incomunicación en el mundo de la hipercomunicación.

Ahora centrémonos en aspectos más estéticos y directamente narrativos. Comienzo con la fotografía, soy un firme defensor de que el cine de Iñárritu es más cine cuando su cinematógrafo es Rodrigo Prieto, no es que Lubezki sea mal director de fotografía ni mucho menos (por algo se marcó un triplete con tres Oscars seguidos); sino que con Lubezki la imagen y la luz es sencillamente perfecta, parece más un espectáculo que un relato fílmico, sin embargo con Prieto la imagen se tiñe de un aspecto sucio, real, poético y totalmente acorde con la historia que se está narrando. El estilo documental y guerrillero de Prieto acompaña de manera maestra a las turbias y aceleradas historias de Iñárritu. No me imagino largometrajes como Amores Perros o Biutiful (una gran obra del cineasta mexicano, poco valorada, para mi una de sus mejores) con la perfección del estilo Lubezki. Vuelvo a insistir, nadie niega la grandeza del chivo, pero para este tipo de films la batuta la lleva Prieto.

Pitt & Blanchett, Babel. Saâd Jebbour

¿Y el montaje? ¿qué sería este film sin el montaje? Escenas y planos que se suceden con una precisión milimétrica, como si fuese un reloj suizo, haciendo que las agujas sigan su trayectoria formando parte del mismo sistema; y esto es Babel, tres historias que funcionan de forma paralela, sin que ninguna dañe a la otra y las tres formando parte de la misma película. Hay una pregunta que me repetí más de una vez y es: ¿qué hubiese sucedido si cada historia hubiese sido una película diferente contada de forma lineal? ¿funcionaría? Yo creo que sí, cada una de las tres posee un planteamiento, un nudo y un desenlace; es más, hasta el propio Iñárritu admitió que la producción fue como rodar tres películas diferentes. Hubiese funcionado, pero serían tres películas del montón (les salvaría el hecho del buen reparto artístico que poseen); pero juntas y montadas de la forma en la que están hechas cobran una magnitud titánica que las hace una de las grandes películas de comienzo de siglo. Mención especial a la música del argentino Gustavo Santaolalla, que acompaña a la historia con el ritmo que es debido, es una música atemporal y aespacial que encaja a la perfección con las diferentes culturas presentes en el film; cuando suena da igual que estemos en Marruecos o en México, parece un sonido de cualquier lugar del mundo, de cualquier dimensión temporal. Y no sobresale sólo en Babel, sino también en Biutiful o Amores perros por ejemplo.

Un aspecto que llama la atención es que vemos estrellas de la talla de Cate Blanchett, Brad Pitt o Gael García Bernal “maltratados” por unos personajes desafortunados (pero interpretados con grandeza), y otros actores menos conocidos como Rinko Kikuchi o Driss Roukhe (aunque este en Marruecos ya gozaba de una notable fama) sobresalen con maestría en sus papeles. Y ya para concluir, deciros que el film está plagado de momentos que parecen instantáneas fotográficas por su dureza y lo impactantes que son, se nos quedan grabadas en la memoria para siempre. Jamás olvidaremos el momento en que Amelia (Adriana Barraza) camina desesperadamente por el desierto con los dos niños, o cuando Chieko está sóla ante el silencio y las luces de la discoteca o cuando la familia marroquí veo como su hermano e hijo muere abatido bajo los tiros de la policía en mitad del polvo y el calor del árido desierto. Sin duda Iñárritu es el director de moda hoy en día, pero no fue un título caído del cielo, película tras película nos demuestra que posee un talento innato para grabar en los cerebros de todos los amantes del cine del mundo imágenes como si fueran fotografías, poesía, música para la eternidad. Y, ¿qué es el arte sino la capacidad de hacer perdurar la belleza hasta el fin de los tiempos?

 

La delgada línea entre el cielo y el infierno.

« In the mood for love » (2000) de Wong Kar-Wai

Cartel In the mood for love

¿Cuántas películas de amor habremos visto a lo largo de la historia del cine ? Seguramente más de la mitad de los filmes realizado son de este género. ¿Cuántas veces nos hemos visto aburridos por estas acaramelizadas historias? Sin lugar a dudas, habríamos necesitamos más de mil manos para contarlas. Pero a veces (por suerte), existen excepciones, nos encontramos con joyas cinematográficas que rompen con esta linealidad, son historias de amor, pero totalmente diferentes a las que estamos acostumbrados a ver. Es el caso de «In the mood for love » (título en castellano : « Deseando amar ») (2000) del director hongkonés Wong Kar-Wai.

El film nos cuenta la historia del Sr. Chow y la Sra. Chan, interpretados por los mágicos Tony Leung y Maggie Cheung, respectivamente ; ambos se mudan al mismo bloque, casualmente el mismo día y sólo separa a sus apartamentos un pared. Algo más que una amistad empieza a cuajar entre ellos tras los encuentros fortuitos cuando salen a comprar fideos, algo más que una amistad empieza a tejerse cuando se confiesan el uno al otro que sus parejas, ausentes durante todo el film, les están siendo infieles. En ningún momento de la película vemos al Sr. Chan o la Sra. Chow aunque se hable bastante de ellos, una sutileza admirable fruto de una gran cineasta. A lo largo de « In the mood for love » vemos un deseo (de allí su nombre en castellano) por el amante por parte de ambos protagonistas, aunque este deseo se ve cohibido por la sociedad y las normas sociales, esto se ve reflejada en el personaje de la dueña del piso, que es la que se los alquila a ambos; este deseo culmina en la habitación 2046 de un hotel, a puerta cerrada claro está, ya que en ningún momento vemos algún tipo de adulterio, la sutileza del Sr. Kar-Wai.

Otros dos aspectos importantes dentro de la trama del film, aunque realmente formarían parte de la subtrama, son el secreto y el tiempo. Antes de hablar de esto conviene decir que el film es un largo poema que dura 95 minutos, cada minuto es un verso plagado de metáforas y demás recursos literarios , de esto el espectador se da cuenta en los primeros minutos de la obra. El tiempo es un elemento muy recurrente, lo vemos simbolizado en el reloj de la oficina donde trabaja la Sra. Chan, los planos ralentizados, el cigarrillo del Sr. Chow ; el tiempo se nos muestra como el toro que persigue el momento presente, ambos protagonistas luchan contra él, esto se ve claramente cuando el Sr. Chow dice «No puedo perder más tiempo pensando si me he equivocado, la vida es demasiado corta”. La forma en que se nos presenta el secreto es digna de un gran cineasta : ambos protagonistas se refugian de la sociedad y de las normas sociales en la habitación 2046, ambos mantienen su relación sin que sus verdaderas parejas lo sepan ; pero el secreto alcanza su zenith como si una escultura de canones perfectos se tratara cuando el Sr. Chow, en mitad de un templo en Camboya, cuenta todos sus secretos a un agujero que se encuentra en una pared, y después lo tapa.

In the mood for love II

Viendo este film uno se da cuenta de que no es como los que estamos acostumbrados a ver habitualmente, no es una super producción de Hollywood, ni mucho menos. « In the mood for love » es una película hongkonesa, de un director muy particular, un poeta de la imagen ; salta a la vista que la estética del film es muy particular. La fotografía, el gran y admirable trabajo de Christopher Doyle y Mark Li Ping-Bing se resume en unos colores llamativos y un tanto contrastados, unos colores que resaltan la belleza de la historia y la elegancia de los personajes protagonistas. Mención especial al montaje, que se nos presenta con cambios de tempo y de ritmo constantes, también tenemos algunos planos ralentizados ; vemos aquí un montaje atípico que asombra al espectador que no está acostumbrado al cine asiático.

Con « In the mood for love » nos damos cuenta de que Hollywood no es el centro neurágilco del cine, sino que existe más allá de las fronteras de los Estados Unidos de América un cine con aspiraciones diferentes, un cine que hace pensar, un cine que hace sentir, un cine de verdad.

“Vampiros en La Habana” (1985) de Juan Padrón

Vampiros en La Habana.

Me atreví y me lancé, nunca había visto una película cubana (o eso cre recordar) y menos de animación. Andaba el DVD de « Vampiros en La Habana » (1985) del cubano Juan Padrón en casa, tenía muchas ganas de verla y también hacer un pequeño comentario sobre ella. Este film animado narra la historia del enfrentamiento entre dos bandas vampirescas, la americana « Capa Nostra » liderada por Johnny Terrori y la europea « Grupo Vampiro » con sede en Düsseldorf, por el control del « Vampisol », una poción que permite al vampiro que la beba resistir a la luz del Sol.

La película es extravagante, atrevida, divertida y para un público adulto. A nivel técnico es un poco pobre, pero no por ellos menos buena ; los personajes se mueven sobre un fondo que parece una acuarela, y esto le da a nivel estético un toque muy bueno. Una de las cosas que más me llamó la atención de este film son los diálogos, y sobretodo las expresiones y los acentos de cada personaje, es algo alucinante ; tenemos acento cubano, español, italiano, inglés, frances, inglés estadounidense, etc.

« Vampiros en La Habana » es una especie de crítica, podemos compararla con el mundo real. Imaginémonos que se encuentra un medicamento que puede curar el más terrible de los cánceres, pues seguramente habrá empresas farmacéuticas privadas que intenten hacerse con la medicina y negociar con ella a precios exorbitados, donde sólo unos pocos podrán hacerse con ella. Es más o menos esto lo que vemos en este filme, el científico Werner Amadeus Von Drácula (hijo del gran y legendario Conde Drácula) logra inventar el « Vampisol », la « Capa Nostra » quiere erradicarlo para poder seguir negociando con sus playas privadas para vampiros, y el « Grupo Vampiro » quiere hacerse con la fórmula de la poción para poder venderla a un precio muy alto. Padrón logra hablar de este tema tan presente en nuestra sociedad con mucha agudeza, de una manera cómica pero a la vez
astuta.

Si algún día quieres ver un film diferente, de culto, divertido y estrafalario, « Vampiros en La Habana » de Juan Padrón es tu película.

Un pequeño comentario sobre el film “Playtime” (1967) de Jacques Tati

Playtime cartel

(este comentario se ha escrito pensando en la película “Tiempos Modernos” (1936) de Charles Chaplin)

En este film el director francés nos muestra a un París “high-tech” (pero nada futurista), donde nuestro amigo, el sr. Hulot (personaje encarnado por el propio Tati y que ya hemos visto en películas anteriores como “Las vacaciones del señor Hulot” (1953) ) nos deleita con un humor muy delicado, fino y poco extravagante durante dos horas. Se nos muestra a una sociedad muy americanizada, esto se ve muy claro con el nombre que se le da a los establecimientos y bares, por ejemplo “La Cafetería Drugstore”, el “Hôtel Royal Garden”, entre otros.

Este film se me recomendó como respuesta a “Tiempos modernos” (1936) de Charles Chaplin; pues tengo que decir “Playtime” no tiene nada que envidiarle a Chaplin, su humor es igual de acertado que el primero. Una de las grandes diferencias entre estas dos joyas del cine es que, en “Tiempo modernos” vemos unos personajes a nivel económico muy pobres, y en “Playtime” unos burgueses muy adinerados.

Uno de los grandes aciertos en este film es la fotografía, que se nos presenta fría y gris, esto refuerza esta sociedad que nos muestra Tati, muy ordenada y muy moderna. La composición en la imagen es casi perfecta, donde las formas, las líneas y la arquitectura son protagonistas; esto podría ser una clara metáfora de este orden y esta modernidad de la que os he hablado al principio de este párrafo.

Playtime

Hay otros elementos a tener en cuenta, como son el guión y la puesta en escena. Los diálogos en esta película, al igual que en “Las vacaciones del señor Hulot”, carecen de importancia, podría darse perfectamente la película sin ellos; pero Tati usa esos murmullos (que nos recuerdan un poco a las conversaciones y sonidos que escuchamos en los juegos de la saga “The Sims”) de una manera magistral, haciendo que el hilo conductor del film transcurra sin problema alguno. La gran profundidad de campo que vemos en las imágenes de “Playtime” hace que tengamos multiplicidad de acciones en un mismo espacio, hay escenas donde abundan los personajes (tal y como apreciamos en el restaurante-discoteca del Hôtel Royal Garden) y cada uno de ellos realiza una acción diferente; esto es fruto de una puesta en escena y una dirección de actores ejemplar.

Una de las ventajas que le veo a “Tiempos modernos” en comparación con “Playtime” es el contenido emocional, el espectador está más vinculado con la película de Chaplin que la de Tati. Aún así, en “Playtime” también sentimos algo de emoción, sobretodo con el señor Hulot.

En conclusión, “Playtime” no prosperó tanto como “Tiempos modernos” debido a que en la época en la que se hizo el humor estaba muy bien implantado en el cine, pero ambos son films que ya han pasado a la historia del séptimo arte, y ambos están al mismo nivel en cuento a calidad cinematográfica.